Art Taipei 台北國際藝博 #Q01

【Roadshow | Art Taipei Q01】萬花筒般豐富視覺饗宴 位於Art Taipei 台北國際藝博 世貿正門右側入口 Q01展位,今年 Bluerider ART 將以歷年我們最大型展出空間、呈現集結二十位歐美當紅藝術家「多樣風格、多變媒材、獨特限量」最新精選力作,特別介紹 MOMA紐約現代美術館展出及收藏、享譽國際知名以色列藝術家 Ilit Azoulay ,長達八年嘔心瀝血史詩創作、9米大尺幅攝影作品,亞洲首度曝光!帶給您有如萬花筒般的豐富視覺饗宴、敬請期待!#ARTTAIPEI#台北國際藝術博覽會 Art Taipei 2019 台北國際藝術博覽會展位:Q01 VIP 貴賓預覽:2019.10.17 四 12:00-21:002019.10.18 五 11:00-14:00Public 公眾展期:2019.10.18 五 14:00-19:002019.10.19 六 11:00-19:002019.10.20日 11:00-19:002019.10.21 一 11:00-18:00台北世界貿易中心展覽大樓世貿一館

【台北・仁愛】Heavenly Bodies – Anderson & Low 2015.9.8-2015.10.17

Jonathan Anderson和Edwin Low為一國際雙人攝影組合,從1990起採用「Anderson & Low」為兩人共同藝術創作的化名。他們的作品包含了肖像畫、建築研究、抽象畫面、報導和景觀等,主題囊括族群文化、身分認知、人物特寫、建築城市等,而他們最為人所知的則為對作品的概念、形式、採光及沖印等等的細節關注。出於對身體的動靜姿態與環境張力的觀察,運動員則為其主要靈感來源之一。 Gymnasts-NDGT(National Danish Gymnastics Team)系列為Anderson & Low與丹麥國家體操隊合作的攝影作品,耗時三年,於1998-2000年完成創作。於此系列中,Anderson & Low使用四個大地元素:「風、土、水、火」融合體操選手運動的環境進行創作,大地元素的主題決定了整個系列的創作架構,促使丹麥體操選手必須突破他們以往體操運動的正常極限,重新衡量他們的平衡感,力度和耐力去表現身體的張力。在褪去衣服後,身體純粹的美感、熱度及未經修飾的力量感都成功顯現出來。這獨特系列的作品完全是用膠捲拍攝而成,當時的電腦尚無法修圖,因此照出來的作品是真實實地捕捉正在發生的一切,包括丹麥體操選手真實懸在半空中、潛在水裡和赤身挑戰火圈。這系列作品一推出即因把現代的人體攝影融入古代經典運動身形的理念而得到認可,所呈現出來的作品具有強烈的標誌性。 這兩位極富才華的攝影家本次特別在台灣展出一場具有回顧性質的特別展覽,這是十年來他們第一次舉辦此類型的展覽。因長期拍攝與運動相關的作品,Anderson & Low在國際藝術圈享有盛名。Gymnasts-NDGT中,他們一起拍攝出古希臘羅馬的古典主義中出現的完美裸體身形,同時也把古代崇尚的運動健美身形轉換為一種更具風格和抽象化的作品。Bluerider ART此次展覽分別就此系列風、土、水、火四個主題各選出幾幅別具代表性的作品展出,藝術家也特別為了在台灣的首次亮相沖印幾幅新作品,一併在Bluerider ART的這檔展覽展出。 Anderson & Low的作品在世界各地展出,並且含括許多博物館與私人收藏;Gymnasts-NDGT系列成功地把Anderson & Low推到了藝術攝影市場的最前端,自那時起他們的作品也開始在世界各地展出並被博物館收藏,包含: 英國國家肖像館,維多利亞&亞伯特博物館,澳洲國家肖像館,休士頓美術館,亞特蘭大藝術博物館,馬來西亞國家美術館,科羅拉多Springs藝術中心及美國佛羅里達州傑克遜當代藝術博物館。

【台北・仁愛】DAYDREAM – NONOTAK studio 2015.10.30-2015.12.26

結合聲音與光影的裝置藝術形式近年隨著科技快速發展,數位技術亦成為藝術家實驗研究的創作媒材,當代藝術進而得以發展出集合不同感官感受的新媒體藝術。視覺聲音裝置藝術(audio-visual installation)為新媒體藝術領域中常見的表現形式,透過跨領域的合作以及不同數位軟硬體的操作,結合聲音與光影,常於大型公共空間呈現出有別於一般的藝術體驗。近年國際間已有許多於戶外或者大型公共空間舉辦的數位藝術展覽,相較國際間視覺聲音裝置藝術的活躍,此類創作仍少見於台灣當代藝術展演空間,亦未有廣泛的擴散平台。 法國雙人組合NONOTAK studio由插畫家Noemi Schipfer及電氣音樂家Takami Nakamoto共同進行創作,透過電子節拍和燈光的搭配,建造一個視覺效果豐富的場景給觀者。NONOTAK studio的組合誕生於2011年底,最初受到一位建築師委託在巴黎公共建設的大廳創作牆面藝術。從2013年初開始,NONOTAK studio嘗試使用更多元的媒材創作,通過不同的媒介與技術結合,打造出一個能使觀眾沉醉其中的夢幻國度。Nakamoto擅長音樂及空間構成的部分,而Schipfer主要負責動態視覺。在長期而有默契的搭配下,兩人完美的組合呈現出令人驚豔的感官經驗。 Bluerider ART此次展出NONOTAK studio “DAYDREAM”系列之”DAYDREAM V.3″,此系列為一裝置藝術表演的計畫,能使觀者置身其中而體驗到空間扭曲感的氛圍,彷彿周遭的空間及時間產生如加速、收縮、錯置等變形效果。此裝置藝術表演旨在於真實空間和虛擬空間中建立一個身體實質的連結,藉以模糊虛實之間的區隔,使觀者能夠暫時遠離現實生活。這項表演透過燈光效果來創造出一個抽象空間,同時利用聲音的迴盪來定義此虛擬空間的距離。”DAYDREAM”利用聲光裝置表演對觀者提出”沉思”的邀請;在強烈的感官體驗中,觀眾被帶領到一個被動的位置而能藉機思考沉澱。 另一系列平面作品”MASKS”則可以說是NONOTAK studio對於聲光藝術的另一種詮釋。這件藝術品完全沒有使用到任何科技的幫助,實際看起來卻像是科技催化下的成果。藝術家將三層半透明的樹脂玻璃相互交疊,進而創造出另一個幾何圖形,彷彿一幅作品隱身於另一幅作品中。最特別的是當觀者站在作品正前方時,觀者將只看到平面的線條,透過左右偏移才會發現幾何圖樣的變化。同時藝術家也利用半透明玻璃及莫列波紋圖紋震動時的效果,將折射到牆上的光影變化納入作品的一部份。 NONOTAK studio曾受邀與英國Tate美術館、日內瓦BATIMENT當代藝術博物館、里昂歌劇院、HERMÈS伊斯坦堡旗艦店、東京君悅飯店等合作展演計畫,並獲許多新科技藝術創作計畫的委託,如日內瓦Mapping 藝術節,巴黎白晝之夜(La Nuit Blanche),蒙特羅EM15 ELEKTRA / MUTEK電子藝術節,南特Stereolux中心多媒體展演等合作。

【台北・仁愛】I fiori e il sogno 文字是種子 鮮花於夢境中綻放 – Brigitta Rossetti 布列姬塔.羅塞媞 2016.4.16 – 2016.5.21

Brigitta Rossetti I fiori e il sogno 文字是種子 鮮花於夢境中綻放 義大利詩人女藝術家Brigitta Rossetti (b.1974),現於義大利米蘭及美國芝加哥兩地居住創作。創作生涯榮獲多項國際藝術大獎,如近期於2011年義大利帕多瓦Talent Contemporart Art Fair獲得貳獎以及2014年於Asolo 雙年展獲得繪畫類的首獎等殊榮。2015年間展覽觸角伸及南韓Cheongjou International Craft Biennal、義大利Bipielle Arte及威尼斯雙年展等國際大展。 繼上回來台的亞洲首度個展獲得熱烈迴響後,Rossetti 再次受邀展出最新力作。於Bluerider ART的第二次個展”I fiori e il sogno”,延續以花卉為主、充滿文字詩意的古典浪漫風格外,也注入關心宇宙和生命個體的思維,將大自然、人性、動物等元素納入作品中,以夢境詮釋人在迷失自我的過程中可藉由詩集或古典文學的文字讓內心更強大。對於Rossetti來說,使用過的物品或是生活中的器物都可以是她的靈感來源,透過她獨到的直覺以及熟練的技巧賦予作品全新生命和希望。 Rossetti 2015年繪畫裝置新作「往前,直走,右轉」 (Sempre dritto, avanti, gira a destra)中借用彩虹、雲、樹木等自然元素表現自由不受拘束的意象,詮釋人的創意潛能以及思想可改變現實的力量。這件裝置藝術作品廣泛地使用現成物件與詩書、繪畫結合,在七圓篩上繪出對行星的想像,每個行星的圖騰反映了大自然、動物、兒時記憶、童話故事等事物照亮我們在萬物間的存在,象徵人性的完美以及造物者的總和。「為期一週的感恩」(Seven Days of Thanks Living)的裝置作品,充分發揮她對於繪畫與多媒材創作的天分。突破平面繪畫與現成物的區隔,將創作形式融合一體呈現,細緻而微妙地詮釋生命美好的存在。 「環繞著我的是鄉村遼闊景色的寂靜,這個寂靜使古老的傳統甦醒,例如床邊故事、圍繞教堂的祈禱者、太陽和雨等… 」Rossetti 說,「這些記憶引導我在採用自然素材的作品中融入草木、樹幹、花朵等有生命的事物。」Rossetti 此次以較過往更內斂但更多面向的題材來展現她具浪漫詩意的內心,取材自日常生活的圓鏟和天秤等現成物件上再融入擅長的花卉圖騰、古典文字等,反映她內心的浪漫與懷舊追憶,亦創造出一個給觀者發揮想像力、漫遊於夢境的空間和一趟自我探索的流浪旅程。 ​​​​​​​

【台北・仁愛】I WANT – Jonathan Rosen ╳ Tom Smith Curated by Lauren Xandra 2016.6.7-2016.7.23

Bluerider ART向來致力於與藝術單位合作當代藝術推廣,這期最新展覽首次與英國獨立策展人LaurenXandra一同策畫兩位紐約籍前衛風格藝術家 Jonathan Rosen 及 TomSmith 的雙人聯展「I WANT」。 Xandra擁有紐約大學策展、表演研究學士學位和英國牛津大學視覺文化與藝術史碩士學位的優秀學歷之外,其策展經驗也相當豐富,曾於紐約大都會美術館 (The Metropolitan Museum of Art)、美國紐約MAD美術與設計博物館(The Museum of Arts and Design)、英國牛津艾許莫林博物館(The Ashmolean Museum)以及高古軒藝廊等策劃過重要展覽。對於熱愛研究東方藝術史的Lauren Xandra來說,此次策展為其首次於台灣帶來藝術文化交流。 Jonathan Rosen畢業於 VCU Brandcenter 廣告學系,過去於廣告界擔任創意總監的經歷使他深切地感受到文字、影像和宣傳對人們產生的影響力。現為全職藝術家的他,以概念性的拼貼與挪用藝術手法創造出夢想來揭開每個人深埋心中的渴望。以「I WANT」為主題的系列為Rosen由個人的收集品出發創作,運用大量收集的現成物拼貼與鏤空的現代感字體展現視覺衝擊,將「I WANT」作為可以隨人們慾望不斷擴張的題材,藉由作品呈現脆弱卻真實的自白,為觀者提供一個隱蔽的空間,反思自身渴求,他所收藏的不僅是物品,更是不敢與人分享的企盼。他相信這些慾望如果不被挖掘出來, 它們絕不會有力量打破緘默。2015年11月底Jonathan Rosen與巴黎時尚概念品牌Colette合作發表創作,適逢巴黎遭遇恐怖攻擊,他將具有巴黎美好憧憬的明信片作排列,再搭配「 I WANT PEACE 」呼應巴黎人當下心聲,以創作與時事連結,塑造成一種無形的力量。 Tom Smith 畢業於紐約視覺藝術學校,深感現代數位化的產物逐漸抹滅藝術創作的光環,其作品順著數位時代中的藝術脈絡作出充滿想像的詮釋與構圖。Smith 的作品看似經由機械和數位化的方式做處理,實際上皆是親手繪製的作品。作品遠看時像是繡帷上的蔓延圖形,近看則會發現在圖案上有著相對顏色的線條躍然而出。在這次展覽中每件作品均是由兩張壓克力顏料繪成品組合而成,當兩者結合時,會產生如兩個視頻快速切換間被定格的視錯覺,在看似動態的畫面中,立體的視覺效果彷彿現出不定形的臉、誇張的眼睛、睫毛與漂浮的地磚。如同百葉窗葉面的擺動可以控制光的進出與室內的明暗,Smith的創作像是在整理其內心的想法和外界觀者的想像,而這些均反映在作品上,使之不受定義所侷限,也因此觀者可以自由地產生連結。對Smith而言,這是一個永不停止的實驗過程,同時也是讓我們反思自身認知、意識與潛意識的課題。 透過這次紐約籍藝術家Jonathan Rosen與 Tom Smith雙人聯展「I WANT」,兩位藝術家除了藉由創作挑戰平面視覺所能發揮的多樣效果,同時也實驗圖像與文字相互結合所能傳達的訊息張力,將內心的渴望轉換成創作上的視覺衝擊,呈現介於慾望與舒適圈、虛幻與現實間的矛盾。

【台北・仁愛】Infinite Cosmos : The Known & Unknown – Carol Prusa 2016.8.6-2016.10.1

INFINITE COSMOS : THE KNOWN & UNKNOWN2016.8.06 – 10.01CAROL PRUSA CarolPrusa (美國,1956年生) 以當代大型裝置和將失傳的銀針筆繪畫(Silverpoint Drawing)著稱,現居住及創作於美國佛羅里達,任教於佛羅里達大西洋大學(Florida Atlantic University)繪畫及素描學系。參展經驗豐富的Prusa繼懷俄明大學博物館個展後,2015年受邀參與備受國際尊崇的美國藝術暨文學學會(AmericanAcademy of Arts and Letters)邀請展。2016年紐約美術與設計博物館(Museum of Arts and Design)收藏Prusa的大型球體裝置作品《Bridge》,成為佩雷斯美術館(PerezMuseum of Art)、斯賓塞美術館(Spencer Museum of Art)等博物館藏外,第13間將其作品納入永久收藏之博物館。 Prusa為當代極少數使用銀針筆創作的藝術家,其使用媒材銀針筆的原理為利用銀製的金屬筆尖在物體表面做刻劃,金屬成分隨時間氧化使得畫出的圖樣漸漸呈現,因筆觸細膩且畫過的痕跡無法拭去,繪畫時相當著重技巧與功力,每一次創作都需要長時間的意志力以及能精準掌握圖形比例的技術才能完成。在保有傳統繪畫技法之餘,Prusa更持續將此十四世紀文藝復興時期流傳的繪畫技術與新素材結合,使銀針筆的效果更生動地呈現,如於作品內部嵌入光纖裝置,以及近期於全球廚具經典品牌Kohler「Artist/ Industry計畫」40週年特展,使用3D列印技術與數控工具機 (CNC routing)創作的玻璃纖維的立體作品即結合銀針筆繪畫與科技,使觀者在驚嘆藝術家創作之外得以由不同的角度窺視宇宙萬物間的聯繫與生命之美。 浩瀚的宇宙和「當下」於時空中的關系始終讓Prusa著迷,藉由每一次的創作抒發內心體悟,同時筆下的星際也記錄了轉瞬間萬物產生連結的剎那。本次展覽「Infinite Cosmos」,以宇宙的無垠作為鋪述,展出Prusa經典的半球型創作外更加入了球體與平面作品,無論於作品型態或者規模均使觀者可以由更多元的視角探索星體間的奧妙以及其中的哲思。Prusa所創作的每件作品都象徵著已知與未知的交觸面,其自我沉思深埋於每道細緻的筆觸中,平衡與反覆的圖形陳述宇宙運轉的邏輯以及自然與自然之間的對話,引導觀眾從不同層次思考生命的存在。「未知」雖然讓人卻步,卻也同時使人期待,如同愛爾蘭哲學家EdmundBurke所說是一種「令人愉快的恐懼」,Prusa 描繪下此種心境,並藉由作品反饋觀者心靈世界。 ‘

【台北・仁愛】City Symphony – Bryan Ida 2017.2.14-2017.2.25

CITY CYMPHONY2016.10.15 – 11.26BRYAN IDA 布萊恩•伊達(Bryan Ida,美國,1963年生)現居住及創作於美國洛杉磯,以壓克力結合環氧樹脂(Epoxy)與聚酯纖維(Polyester)的堆疊層次進行創作,由多樣的視角、色彩與城市和自然進行對話。曾多次於美國知名博物館及美術館舉辦展覽,包含蘭開斯特藝術與歷史博物館(Lancaster Museum of Art and History) 、河濱市美術館(Riverside Art Museum)、托倫斯藝術博物館 (Torrance Art Museum)、長灘美術館 (Long Beach Museum of Art) 、洛杉磯當代藝術美術館 (Museum of Contemporary Art, Los Angeles)等。作品收藏於微軟(Microsoft)與杜邦旗下杰能科(DuPont™ Genencor ® Science)等矽谷高科技產業公司。 曾於美國著名抽象畫家山姆•法蘭西斯(Sam Francis,1923-1995)工作室學習數年的伊達,在承襲法蘭西斯奔放洋溢色彩的同時也融合自身來自音樂性的感知,發展出獨樹一幟的表現形式。純熟的環氧使用技術使伊達在繪畫上擁有另類的層次鋪述,透過六至七層的繪畫與環氧樹脂堆疊,讓二維的平面漸漸築起三維的視界,弭平空間界線。近期更開始運用聚酯纖維作為創作素材,因其輕透的特性,交疊兩百層的繪畫與聚酯纖維材料使畫面內容與細節處理愈趨豐富。對伊達而言,記憶是情感化後的經驗,存在著與之呼應的形影,他試著以成層堆疊和埋藏的手法保留對於地景的時空記憶。 本次展覽「City Symphony」以鮮活的色調詮釋經典的城市與地景想像外,更在都市人文成分中加入自然的面向,帶來全新「沿岸 (Littoral)」系列創作,「沿岸」是海陸相交的地帶,亦即兩個截然不同世界的交集處,不同於以往分明且獨立的城市形象,以水波的形式柔化了畫面,引出文明與自然互動的思考,同時也將城市議題更廣泛的延伸與擴展。伊達對光、色彩與構圖的著迷與追尋創作出交錯重疊的意象,不僅提供空間上寬闊的視野,更得以將想法與影像植進結構中,使每道構面均與其他層次發生互動、產生連結,而同時也保有分離且獨立的特性,如同不斷堆疊地各個聲部,奏出首首屬於城市的交響樂章。 Bryan Ida is an American artist who currently resides in Los Angeles. As a master mixing acrylic …

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【台北・仁愛】The Immoveable Feast 盛宴 – Eunice CHEUNG WAI MAN 張惠文 2016.12.10-2017.01.26

張惠文(Eunice CHEUNG Wai Man,香港,1986年生)為當今香港「新工筆」繪畫代表人物之一,畢業於香港中文大學藝術系碩士學程,主修中國工筆動物畫創作。擁有豐富國際展出經驗的張惠文,於2013年至2016年期間連續四年參展香港巴塞爾藝術展(Art Basel Hong Kong),2013年亦受邀成為香港蘇富比藝術空間《一墨相承:香港藝術家十二人展》聯展藝術家,與新媒體結合之系列作品曾於台灣國立故宮博物館和義大利聖十字教堂(Basilica of Santa Croce)展出,2009年作品入選《香港當代藝術雙年獎》,雖為年僅三十歲的新生代新工筆創作者,實力與潛力卻備受多方肯定。 「新工筆」對於工筆畫有著藝術與工藝層面上的延續,保留工筆畫工整細緻的勾勒與渲染技法,同時融合西方寫實主義的畫面構成、色彩使用與形象表現,更展現諸多新意,兼具傳統水墨韻味與當代精神雙重特性。張惠文以「新工筆」繪畫創作延續細膩繁複的工筆技法,主題思想則以時事、社會議題、萬物間的聯繫為軸心,將生活的樸質帶入創作之中,顛覆並超越了過往工筆畫臨摹山水花鳥等強調寫實「美」的意境呈現。藝術家以擬人的型態描繪由動物視角出發的世界,不僅令人思考動物在不同環境地域與社會文化的生存狀態,更串起人與動物間密不可分的關係,透過細緻的筆觸繪出自然之美的詠嘆;此外作品中加入許多現代生活的元素,也更引起觀者的共鳴。 本次展覽以《The Immovable Feast 盛宴》為題,展出張惠文最新「新工筆」系列創作,並邀請香港著名雕塑家馮力仁透過木雕的溫潤與力度,一同演繹「情感」一題。對生活與自然環境具有獨到體察的張惠文,利用「新工筆」的縝密細膩捕捉毫無型制體例的感情狀態,以溫煦的色調烘托出場場盛宴間彼此的牽絆與相聚的熱絡,無論是作品《明將壽司》中共品美味與辛澀的貓兒,或者是《暖暖南瓜湯》裡相互依偎的海獺,藝術家藉由仿擬人生的動物型態描繪日常裡最尋常卻也最真摯的情愫。隨著聖誕佳節與新年的到臨,Bluerider ART以《The Immovable Feast》擺起的不散筵席溫暖你的心。 Eunice CHEUNG Wai Man – born in Hong Kong, 1986. Graduated from TheChinese University of Hong Kong with a Master of Fine Art. Shespecialises in Chinese gongbi (fine-brush) painting of animals, and herresearch is about the changing relationships between …

【台北・仁愛】The Immoveable Feast 盛宴 – Eunice CHEUNG WAI MAN 張惠文 2016.12.10-2017.01.26 Read More »

【台北・仁愛】3rd Anniversary | Der Blaue Reiter 2017.2.14-2017.2.25

Bluerider ART的成立邁入第三年,此次展出以「Der Blaue Reiter」為題,透過成立的初衷回顧一路上的成長與堅持。Bluerider源於二十世紀初抽象表現主義藝術家瓦希里•康丁斯基(WassilyKandinsky)於1911年與一群藝術家共組的Der BlaueReiter藝術團體,成員之間的藝術風格和目標雖然不盡相同,卻擁有共通的信念,即是透過藝術表達精神與靈魂最真實的樣貌。Bluerider ART遂引用德文英譯Bluerider這個名稱,以紀念這位偉大的藝術家兼教育者,並作為引領經由藝術覓得生命真諦的指標。 Bluerider ART三週年特展共邀請十位與我們一同推進當代藝術創作的藝術家聯合展出,包含藝術壞痞子D.O.C.、英國X光攝影藝術家尼克•維西(Nick Veasey)、銀針筆繪畫巨匠卡蘿•普魯莎(Carol Prusa)、芝加哥文青文化的捕捉者凌•波兒(Rine Boyer)、義大利詩人藝術家布列姬塔•羅賽媞(BrigittaRossetti)、幽默插畫大師克里斯多福•尼曼(Christoph Niemman)、色彩與記憶的建築師布萊恩•伊達(Bryan Ida)、挑戰數位浪潮的藝術家湯姆•史密斯(Tom Smith)、吶喊出人們噤聲渴望的強納森•羅森(Jonathan Rosen),以及首次來台展出的西班牙詼諧影像藝術家加西亞•德•馬里納(Garcia deMarina),展覽作品囊括幾位藝術家的經典創作,如D.O.C.的藥丸系列,凌•波兒的個性圖騰人像描繪,與尼克•維西鮮少向外展示的X光樂器攝影作品。十位藝術家的聯展不僅體現藝術精彩多樣的面貌,更是向Der Blaue Reiter的理念致敬。 成立三週年之際,我們由衷感謝每位觀眾的參與、回饋與支持,Bluerider ART將延續「前衛、創新、實驗、對話」的態度和精神,致力於發掘國際間不斷突破藝術界限且饒富興味的藝術家,並持續推廣具有前瞻性的藝術,鼓勵深具潛力的藝術創作者,使其擁有發揮的舞台,他們的作品足以代表21世紀當代藝術的發展脈絡,並帶動藝術創作的前進,Bluerider ART也期盼因此而為台灣帶入更豐富且跨越國界的藝術場景。

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