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Bluerider ART 繼推出一系列代理當代雕塑家，包括斯洛伐克Stefan Papco、德國Willi Siber、荷蘭Reinoud Oudshoorn，各自以金屬、土、木、鋼、鐵等多樣媒材，表達其獨特社會學、空間環境，以至形而上精神等創作理念，將再於2020年2月開春首檔，於Bluerider ART 台北·敦仁，舉辦新代理藝術家德國雕塑家Angela Glajcar 紙的大型雕塑展 ‘Terforation’ 「紙的顛覆與構築」，展出藝術家自2015年起，以紙做為雕塑主題的 ’Terforation’ 系列。‘Terforation’ 一字源自拉丁文的組合：Terra 土地、Foramen孔，透過紙的裂孔表現光影與空間關係。此次個展的主要作品，包括二件三米紙雕的作品，懸掛的紙張連續重疊，並撕裂其中部分區塊，撕裂痕跡通過層層疊疊的光線折射，在紙邊緣及表面上產生了戲劇性的光影效果，紙張邊緣線條相對銳利，與內部撕裂的空間產生了強烈的衝突感，和動人的韻律感，另外包括七件中小不同尺幅材質單一無版次作品，展現多樣型態紙雕塑，由藝術家現場組裝創作。
紙，在繪畫史中通常作為載具，紙的作品總以平面視角觀看、並創造虛構的透視視角。紙當然也可作為雕塑的材料，畢卡索就曾巧妙運用紙結合線稿做立體雕塑，作品 Head of a Woman, Mougins (1962)。Angela Glajcar 則是直接讓紙作為雕塑材質，顛覆傳統柔軟認知，讓它擁有光影變化、空間節奏及重量。在雕塑的意義上，極簡主義（Minimalism）將型態或色彩純粹化，藝術家 Donald Clarence Judd (1928-1994)在 1965 年所發表的概念特定物件（Specific Object），便將型態或色彩影響降低至最極限，作品非繪畫也非雕塑，而是特定物體，呈現作品「此時此刻、存在於此」的當下狀態。Glajcar 的作品，使用單一材質、單色的紙，突出紙的純粹性，而她再進一步顛覆這樣的純粹性，讓造型與空間更多變化，產生觀看的戲劇性效果。當我們對照空間藝術家 Lucio Fontana (1899-1968)，在畫布上畫一刀的作品 Concetto Spaziale, Attesa (1965)，企圖把平面繪畫及框外空間的界線打破，藉此挑釁觀者對「繪畫—雕塑—空間」的構築、想像與再出發。Glajcar 的雕塑帶給觀者「空洞」的延伸𩐳律，透過精確的撕裂空洞，光線得以進入洞中，觀者看到由光影構築的多重空間，開啟對四度空間的想像。透過紙的顛覆、與空洞的撕裂、構築，意味著一種破壞性，在真實空間留下了傷痕。
德國藝術史學家暨沃爾夫斯堡藝術博物館館長Andreas Beitin 便認為，Glajcar 的作品具有深層的思辨，她對於人類存在的課題提出相反的兩個面向：動態與靜態、美麗與毀壞、光亮與沉重、律動與安靜。因為紙的本質，脆弱卻堅韌，誰能想到平時所翻閱的書本及紙張，可以懸掛在高空、自由地飄浮。撕裂產生的漩渦狀空缺，像是幾何形狀的隧道，毫無止盡地延伸，彷彿冰川或岩層上鋸齒狀的山脊與深邃的洞穴。Angela Glajcar 的作品關乎我們所生活的空間、環境，並展現「紙」在光線、動態、時間、聲音的多種面貌，如此堅韌又如此自由奔放。透過紙的顛覆與構築，作品在此成全超乎現實所有的想像。
國內外媒體報導 Press
作品 Works
Terforation系列
這是藝術家源自2015年的作品系列，Terforation 這個字源自拉丁文中的組合：terra（土地）與 foramen（孔）。作品是從高處懸吊或懸掛在牆上的紙張連續重疊，並撕裂其中部分區塊，撕裂痕跡通過層層疊疊的光線折射，在紙邊緣及表面上產生了戲劇性的光影效果，紙張邊緣線條相對銳利，也與內部撕裂的空間產生了強烈的衝突感。紙通常被認為是脆弱的，但此時卻具有相當的重量，同時是理性又感性的存在。因為紙特殊的本質，脆弱卻堅韌，誰能想到平時所翻閱的書本及紙張，可以懸掛在高空、自由地飄浮。撕裂產生的漩渦狀空缺，像是幾何形狀的隧道，毫無止盡地延伸，彷彿冰川或岩層上鋸齒狀的山脊與深邃的洞穴。雕塑的特質，在此成全各種想像。Angela Glajcar 的作品關乎我們所生活的空間、環境，並展現「紙」在光線、動態、時間、聲音的多種面貌，如此堅韌又如此自由奔放。
Corum系列
在博物館邀約的契機之下，Angela Glajcar 得以有機會探索、實驗除了紙以外的材質，藝術家有幸找上了玻璃纖維布（Glass Fabric），它像紙張一樣具柔軟、透光的特性，且能以切割方式留下孔洞，卻有不可燃的特性。藝術家同樣以層疊、光影方式來強調玻璃纖維布的質感，而此媒材形成的作品因比紙張更易因場域內的空氣氣流而擺動，呈現如動態雕塑（Kinetic Objects）般的裝置效果。
Paperwall系列
在Paperwall系列中，藝術家選用了350-400g的工業用紙，以層層緊密堆疊的方式呈現紙的「重」，仍可在紙張的堆疊中感受藝術家堅持手撕處理方式呈現紙張具有的媒材特性—既經過人工造紙處理，卻仍保有天然纖維。德國藝術史學家暨沃爾夫斯堡藝術博物館館長Andreas Beitin 曾提出Angela Glajcar 作品具有諸多「對比」的存在思辨，Paperwall 系列也透過以牆上雕塑的形式，呈現與Terforation 截然不同的存在樣貌，如同輕薄與堅毅厚實的強烈對比。
Contraius系列
在創作早期反覆探索平面與立體的Angela Glajcar，也在此過程中發展 “Contraius” 系列，她追溯了造紙術的起源─中國溫州，為中國目前保留最原始、最完整古法造紙術的城市之一，已具有2000年歷史，她以「溫州紙」成就了 “Contraius” 黑、白單色調的現地製作裝置系列，以此發掘光影的不可捉摸性，及紙作為媒材捕捉光線、反射光線的對應關係，貫徹「媒材顛覆」的創作理念。
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Artist
Angela Glajcar 安格拉‧格萊札
(Germany, b.1970)
Born in Mainz, Germany, Angela Glajcar studied sculpture at the Akademie der Bildenden Künste in Nuremberg from 1991 to 1998. Glajcar's work embodies sculpture and installation, it examines the way in which space is experienced using a material that is fragile and light. In the act of ripping and perforating a material that is traditionally used as a two-dimensional support, Glajcar gives paper a strong sculptural presence. Terforation is the title of Angela Glajcar's famous cubic pieces. The staggered arrangement of the vertically hung series of sheets of white paper, with torn edges, produces cave-like recessions. These extend into the depth of the sculpture. The sharp ridges and deep caverns gives viewer a fascinating room of harmony and silence. Glajcar has exhibited extensively and been the recipient of numerous awards and fellowships including Studio Award of the Kunststiftung Erich Hauser, the Asterstein scholarship in 1999 and Vordemberge Gildewart Award in 2004. Glajcar's works have been showcased in various prominent public art exhibitions, including Cologne Cathedral, the Frankfurt Department of Culture, the Jacksonville Museum of Contemporary Art, and the Mainz Gutenberg Museum. Permanent collections of Glajcar's works can be found at the Jacksonville Museum of Contemporary Art in the United States, the Wiesbaden Museum in Germany, the Mainz Arts and Sciences Center in Germany, and the Hanten Schmidt collection in Austria.
曾接受知名英國雕塑家Tim Scott的指導，Angela Glajcar做為一位前衞雕塑家，過去以鋼鐵、木質或玻璃纖維等材料主要創作，近年則專注在使用「紙」 的材質來創作。 她的創作理念，除了探索紙這個媒材，具有顛覆傳統、及其構築空間的雙重特性，透過紙作品本身，帶來的質量色系、改變空間光影變化及氛圍。她使用特殊紙，跳脫傳統對紙細膩、柔軟的觀念，筆直銳利的邊緣，呈現幾何塊面及延伸性畫面，也讓原有空間創造出新的想像。展出的場域，不只限於美術館等公共空間，也在其它讓藝術物件具有特殊意涵的空間，像是教堂與紀念館，她的作品改變觀者在這些特別空間的觀看方式，產生奇妙的視覺體驗，雖是非宗教性的雕塑，卻能從空間中產生嶄新的視角觀點、令雕塑展現特有的多重能量。同時，紙作為材料，吸收了周圍環境的光與色，因溫濕度產生捲曲，擁有一種暫時性的變化，Glajcar 讓紙自由地飛翔在空間中，綻放它的姿態及溫暖。
In the history of painting, paper is typically used as a medium, and artworks on paper are often viewed from a flat perspective, creating fictional perspectives. Paper can also be used as a material for sculpture. Picasso, for instance, cleverly used paper combined with line drawings to create three-dimensional sculptures, as seen in his work "Head of a Woman, Mougins" (1962). Angela Glajcar directly utilizes paper as a sculptural material, challenging traditional notions of its softness and imbuing it with changes in light and shadow, spatial rhythm, and weight.
In the realm of sculpture, Minimalism seeks to purify forms or colors. Artist Donald Clarence Judd (1928-1994) introduced the concept of "Specific Object" in 1965, reducing the influence of form or color to the utmost limit. The artwork is neither painting nor sculpture but a specific object, presenting the work in the present moment of "here and now." Glajcar's works, using a single material and monochromatic paper, emphasize the purity of paper. She further subverts this purity, introducing more variations in form and space, creating a dramatic effect for viewers.
Comparing this to spatial artist Lucio Fontana (1899-1968), who made incisions on canvas in works like "Concetto Spaziale, Attesa" (1965), attempts to break the boundaries between flat painting and the space beyond the frame. This challenges viewers to reconsider the construction, imagination, and reimagining of "painting-sculpture-space." Glajcar's sculptures bring an extension and rhythm of "hollowness" to viewers. Through precise tearing of voids, light enters the cavities, allowing viewers to perceive multiple spaces constructed by light and shadow, opening up imaginations of the fourth dimension. The subversion of paper, the tearing of voids, and the construction imply a kind of destructiveness, leaving marks in real space.
German art historian and director of the Wolfsburg Art Museum, Andreas Beitin, believes that Angela Glajcar's works possess profound contemplation. She presents opposing aspects of human existence: dynamic and static, beauty and destruction, brightness and heaviness, rhythm, and stillness. Due to the inherent nature of paper, fragile yet resilient, it is intriguing to think that the books and sheets we typically peruse can be suspended high in the air, floating freely. The vortex-like voids created by tearing resemble geometric tunnels that extend endlessly, reminiscent of the serrated ridges on glaciers or rock layers and deep caves.
Angela Glajcar's works delve into our lived spaces, environments, and showcase the multifaceted nature of "paper" in terms of light, movement, time, and sound—so robust yet so liberating. Through the subversion and construction of paper, her artworks exceed all imaginable boundaries of reality.
2009-072 Terforation (space), 2009. Paper, structural steelwork. 400 x 125 x 1050 cm, 2009年於科隆聖彼得大教堂展出，也是Angela Glajcar 首次在教堂內進行創作。在這擁有近500年歷史的建築物中，150張 250 x 130 公分的大型紙張懸掛在波浪型的金屬結構上，透過精確的撕裂空洞，光線得以進入洞中，於教堂的禮拜者也得以由作品下方感受藝術家撕裂出的視角窺探建築
2019-035 Terforation In-site installation, 2019. 300g torn paper, Bracket made of metal. 500 x 1200 x 250 cm,
