藝博會｜藝博預告 DnA SHENZHEN 9.14-17

Bluerider ART 蓝骑士艺术空间将于 2023 年 9 月 14 日- 9 月 17 日参与DnA SHENZHEN 艺术博览会，推出多位代理国际艺术家多元代表性作品，涉及人文、自然、抽象与具像等主题。

創辦人王薇薇Elsa Wang 表示：“ 2023 DnA SHENZHEN 是Bluerider ART 第二年在深圳展出，深圳藝術蓬勃發展，藏家群對新型態概念接受度高，是Bluerider ART重點推廣城市之一，繼上一屆參展獲得廣大迴響後，今年我們展位擴大，難得精選20位代理國際藝術家，更前衛作品與大眾分享，透過近距離交流，感受來自不同文化背景獨特的風格語言，展開感知想像的精神共振，歡迎蒞臨現場參觀指教。”

2023 DnASHENZHEN Bluerider ART 展位 A06，展出作品涵蓋繪畫、裝置、攝影、雕塑..等。主視覺海報中英國X光攝影藝術家尼克・維西Nick Veasey標誌性的骷髏騎士坐在哈雷重機上，藉由獨特X 光穿透物質表面技術，以黑白極簡呈現人與機械內在精密之美，以幽默風趣手法，表達冰冷事物之外的共情連繫。甫結束上海・外灘’伏筆’ 雙人展的德國藝術家魯普雷希特・馮・考夫曼Ruprecht von Kaufmann 與蘇珊・庫恩Susanne Kühn探討具象抽象的代表性創作，德國青年藝術家提姆・弗萊瓦德 Tim Freiwald 透過破壞、分解、重構，打破傳統畫布框架，呈現繪畫雕塑多角度的次空間。加拿大女性藝術家珍娜・華生 Janna Watson 以抽象繪畫柔軟筆觸細膩色彩，將一切現實情緒化為構圖喚醒觀者情感。阿根廷年輕小將拉米羅・史密斯・埃斯特拉達 Ramiro Smith Estrada 成長於社群網絡世代，其肖像畫利用刺青文字符號，呈現在網絡世代的深入思考，如何看待自己、描繪自己。

展出藝術家:
尼克・维西 Nick Veasey
鲁普雷希特・冯・考夫曼 Ruprecht von Kaufmann
苏珊・库恩 Susanne Kühn
迪尔克・萨尔兹 Dirk Salz
马克 Marck
帕斯卡尔・多比斯 Pascal Dombis
彼得・克劳斯科夫 Peter Krauskopf
西瑞・菲兹 Thierry Feuz
斯芬・杜尔 Sven Drühl
卡萝・普鲁莎 Carol Prusa
克里斯蒂安・格琳 Christiane Grimm
安格拉・格莱札 Angela Glajcar
杨・克拉 Jan Kaláb
珍娜・华生 Janna Watson
拉米罗・史密斯・埃斯特拉达 Ramiro Smith Estrada
提姆・弗莱瓦德 Tim Freiwald
威利・希伯 Willi Siber
雷诺・奥德霍恩 Reinoud Oudshoorn
强纳森・保罗 Desire Obtain Cherish
坦佳・罗切迈尔 Tanja Rochelmeyer

部分展出作品

尼克・维西 Nick Veasey (英国，b.1962)
国际知名的 X 光艺术家，藉由独特 X 光的穿透手段，揭示表面下隐藏的面貌，幽默而顽童式地探索人和事物的内在本质。维西的 X 光创作始于一个汽水罐的成像， 纯粹的构造美学引起他的共鸣。在其逾二十年的创作历程中，他曾将大型波音 747 拆解，并进行浩大的拍摄工程。维西的 X 光摄影所使用的设备需首先获得国家的许可，并且辐射强度远超出医院的 使用水平。在高度危险的环境下，艺术家凭借丰富的经验对 X 提升到全新的艺术境界。

鲁普雷希特・冯・考夫曼 Ruprecht von Kaufmann (德国，b, 1974)
作为一位突出的图像叙事艺术创作者，他选择研究人的 各种层面，利用当代绘画的视觉语言，展现批判叙事与平行现实幻境。他使用油彩创作，包括绘 画、雕塑和纸上作品，创作灵感来源于生活经验，更多时候利用阅读文学、音乐、电影引发脑海中各种意象与想像，尤以电影影响甚巨。相较于电影的时间叙事与声线的交织，绘画是定格的作品，艺术家在绘画中引入前与后的感觉，以此方式打开更多表达的可能性，也预期观者观看作品时，随着画面构图的引导，产生强烈的情绪反应。

苏珊・库恩 Susanne Kühn (德国，b. 1969)
創作的媒材從丙烯顏料、複合媒材、版畫、陶瓷皆有涉略。作品中可以見到山脈、 月光、朽木、動物等自然的描繪， 巧妙結合歷史元素，時而奇想、時而現實。繪畫中，多以年輕女性為視覺焦點，在多層次繁複的空間中移動，特殊安排的構圖及精確的細節描繪， 讓對象、對像在空間中產生微妙的平衡，超現實的場景，猶如當代舞台劇中流動變化的關係。人造空間也是庫恩 Kühn 作品的核心，她經常引用文藝復興時期藝術作品的構圖，像是畫家 Janvan Eyck 或是Albrecht Durer 的作品構圖，在空間、氛圍與光的層次上讓現實產生精確的幻覺。從古典至當代， 庫恩 Kühn 的作品賦予了觀者不同時空的元素穿越的現實錯覺， 以古典構圖視角，結合虛擬現實中的體驗氛圍，展現了女性獨自的形象。

迪尔克・萨尔兹 Dirk Salz(德国，b. 1962)
出身于艺术世家，从小学习绘画与艺术史，现居住创作于德国米尔海姆。萨尔兹创作时从不使用笔刷和画布，而是使用油漆滚筒及泼洒树脂时的重力，使作品脱离传统极简主义，探索透明度和色彩与光线和空间之间的关系。此次展出的是他「Deep Dive」系列的作品，艺术家以颜料与环氧树脂反复构筑出深不可测的抽象色块，也使他的作品在富有深度的同时又被赋予了神秘的色彩。

马克Marck（瑞士，b.1946)
作品展現社會各階層的人在熟悉與陌生環境中的生理及心理狀態，和對時間及空間的認同。在各處層層疊疊的限制之下，當代的人們遊走在生存的邊界，並做出身體的回應。馬克將這些問題藉由錄像雕塑(Video sculpture)拋向觀眾，喚起共鳴與想像。

帕斯卡尔・多比斯 Pascal Dombis (法国，b.1965)
一位研究语言、算法等领域的视觉艺术家。他所创造的动态视觉环境和艺术作品，以它们技术过程的繁杂操作、重复性和不可预测性而著名。多比斯将 AI 等技术应用于绘画中，展开一场绘画与科技的讨论，并展现科技所带来的艺术之美。

彼得・克劳斯科夫 Peter Krauskopf (德国，b.1966)
创作以抽象绘画为主。他在创作时先将流体颜料进行反复涂抹，再用刮刀把颜料刮除，使整个画面形成层层叠叠的效果。克劳斯科夫对这种“反复绘画的过程” (process of overpainting)相当感兴趣，他认为这是“对时间的反复书写”(overwriting of time)，在抹去过去回忆后，再涂上一层新的历史与记忆。

西瑞・菲兹 Thierry Feuz (瑞士，b.1968)
从生命经验及自然风景中取材，将具体之物放入虚实之间，并巧妙地跨越文化及抽象的界线，用艺术的方式记录生命的美好瞬间。作家 Oliver Orest Tschirky 如此评价西瑞·菲兹的画作:“ 不仅可以看到色彩、形式、层次以及主题中那明亮、闪耀、且欢乐的情绪交织，也能感受深刻且令人回味的意义。”

斯芬・杜爾 Sven Drühl (德國，b.1968)
对于艺术史相当着迷，风景一直是他创作的重要主题。他运用颠覆 传统绘画的手法，利用非传统的材料如矽氧树酯、油彩、漆料等不同化学组成的颜料，描绘山景、 树木、火山等多样的自然景观。

卡萝・普鲁莎 Carol Prusa (美国，b. 1956)
以银针笔创作大型装置著称。经由银针笔的精密与洗炼灰阶独树一格的创作方式，探讨宇宙生命的起源。受到文艺复兴圆顶教堂绘画的启发，普鲁莎开始埋首银针笔绘画研究，以机械纹理低调洗练的灰阶，展现自成一格的创作风格。早期以半弧形体，后逐渐展现 360 度球体功力，近期转向平面画作以及大型装置，跳脱以往球体装置，开创新平面风格，却仍为观者营造无限的视觉感。普鲁莎融合了她对宇宙、自然科学，以及浩瀚宇宙间神秘「未知」的著迷，将古老的银针笔技法，结合雕刻树脂、玻璃纤维、金属箔甚至是LED 灯等当代媒材，使我们得以去想像宇宙初始的浑沌、融合以及万物间的神秘力量。

Christiane Grimm 克里斯蒂安・格琳(德国, b.1957)
创作被描述为“不插电的动态光影”。多年来，她致力于研究光线、色彩、空间，与特殊玻璃、压克力等材质的有机结合，并系统地、精确地处理层次与感知色彩。格琳擅长以光作画，物理光线影响著作品的具体成像，光线变化与不同的观看位置使作品显现出不同的立体层次效果。

安格拉・格莱扎 Angela Glajcar (德国，b.1970)
曾接受知名英国雕塑家 Tim Scott 的指导，早期以钢铁、 木质或玻璃纤维等材料进行创作，近年来则专注于使用纸张作为雕塑的独有材料。她跳脱出纸张细腻柔软的传统观念，使用特殊纸打造出笔直锐利的边缘，呈现几何块面及延伸性画面，也让原有空 间创造出新的想像。纸作为材料，吸收了周围环境的光与色，因温湿度产生卷曲，拥有一种暂时性 的变化，与空间有机地结合在一起，绽放它独有的姿态。

杨・克拉 Jan Kaláb (捷克，b.1978)
持续走在一条非传统的艺术之路，其几何涂鸦壁画可见于纽约、布拉格、伦敦、波哥大等城市。他以点出发，发展几何圆形形变， 以及 3D 涂鸦立体雕塑，从街头到画布，涂鸦的概念走入极简纯白的艺廊空间，擦出迷幻的火花。克拉拥有抽象艺术与街头创作的双重语汇，创造出充满能量的抽像作品。

珍娜・华生 Janna Waton (加拿大，b. 1983)
以抽象绘画作为逃避及回归现实的方式，当她将我们所认知的世界非物质化为笔触，她的绘画也以鲜明的构图与色彩唤起观者的情感。受到古典构图及现代主义几何的影响，她的作品优雅却充满力量，以离散却又无法分割的色块组合成束的色彩。

拉米罗・史密斯・埃斯特拉达 Ramiro Smith Estrada (阿根廷，b.1984)
九岁即立志成为艺术家，他成长于社群网络兴起的世代，面对社交媒体，不仅重新形塑了人类对于文化的思考方式，某种程度也成为企业行使策略的平台，利用拍照并标记地理位置的图像，游击式的广告转化成金钱，不论是品牌或个人，皆寻求无时不在的关注与成名的渴望。埃斯特拉达Estrada 的创作围绕着「当代我们如何看待自己?描绘自己?」的角度出发，在大量数位影像流窜的社交日常，编织的一个「我是谁?」的幻梦，包含时尚、流行在社交媒体上衍生的各种行为，他以绘画展现「世俗性」以及在文化社交压力下的冲突，利用街头、刺青等装饰性符号妆点画面，反讽着世人在社交行为的庸俗。

提姆・弗莱瓦德 Tim Freiwald (德国，b.1986)
作品在经历“破坏、分解、重构”的过程后，展现出多层次 的空间。在创作中，他对于毁坏的过程“是否仍为美丽的事物”以及“艺术是什么”等问题，不断地进行着辩证。弗莱瓦德以火熔、切割锯的手法形成碎片、断裂线条和脆弱的结构体，强烈的色彩 显现其破坏性的美学风格。艺术家的灵感源自「时间」以及历史生命片段，残破的历史外观砖瓦建筑、及历史印记，都深深地影响着在东德成长的弗莱瓦德。作品中可见层层叠叠的材料相互连接，呼应着彼此。

威利・希伯 Willi Siber（德国，b.1949）
擅长利用木头、钢与环氧树脂探索物质的可塑性，令他感兴趣的并非只有材质外表的美感，更多的是突破媒材的限制所进行的无尽的探索、验证与推翻既定认知的过程。他作品所呈现出的色彩的玩味更突出其简练的风格。创作不仅承袭巴洛克艺术的流动性、戏剧性和华丽的视觉效果，并带入当代的视角。创作始于绘画和石头雕塑，1980 年后渐以木质材料为轴心探讨形变，这也是他将实验精神带入创作的重要分野，作品成为记录质地、形体和感知交互影响的载体，如透过浅白基调和刨出弧度的边角处理，粉饰木头的粗旷生硬，转化为观者眼前的柔软的意象。

雷诺・奥德霍恩Reinoud Oudshoorn(荷兰，b.1953)
专注于透视法与空间的探索以及“视觉的模拟两可性”，将灭点(Vanishing Point)的视觉高度统一设在1.65 米，繁复精准且大胆地创造视觉空间无限反射延伸的“绝对过程” 。奥德霍恩主张“雕塑应创造比作品本身更大的空间”，以“灭点”作为每件作品的开端，由线延展成面，再由面创造诗意的想像空间。

强纳森・保罗 Desire Obtain Cherish (美国，b.1975)
创作综合了街头艺术、波普艺术与挪用艺术的手法，并融入幽默讽刺性的商业符号，试图唤起公众对社会议题的关注。其棒棒糖及药丸系列作品是对过度消费及名牌崇拜等现象进行的深入讨论，以黑色幽默的方式挑战观看者的价值观。他的作品常使用巨大现成物或放大扭曲的物体装置，以直接有力的方式传达深刻的创作观念。

坦佳・罗切迈尔 Tanja Rochelmeyer (德国，b.1975)
创作始于黑白抽象、以及建筑性与地景式的绘画作品。基于对空间感的好奇，罗切迈尔尝试将平面的绘画转化为浮雕或立体的雕塑装置。他将绘画中的透视与空间交错感进行旋转和压缩，并以一片片独立的压克力玻璃拼贴成雕塑。在二维画面上压缩、拉伸和大胆的方向变动区块，热熔为一片片柔软、具流线型的彩色透明压克力。当色彩的元素加入，也加入了空间的错视感。她的浮雕系列作品如同将画作某处的特定细节进行交错、叠加、放大后形成的全新作品。

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